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百科名片岩间圣母此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后,构成三角形构图，并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。[编辑本段]基本资料 作品名称： 《岩间圣母》 创作者： 列奥纳多·达·芬奇（Leonardo di ser Piero da Vinci，1452－1519 意大利） 创作时期： 第一幅约作于1483～1490年间，另一幅约作于1508年 创作题材： 宗教类 作品类型： 油画 第一幅 作品规格： 第一幅为198×123厘米，第二幅为189.5X119.5厘米， 现收藏地： 第一幅现收藏于巴黎卢浮宫，另一幅则收藏于伦敦国立美术馆[编辑本段]艺术特点 第一幅在构图上，达芬奇用的是金字塔形构图，它具有一种稳定感。四个人物统一在这一稳定的结构中。尖顶部位正好是圣母的头，耶稣的左手与天使的衣角，是塔形右轮廓的边缘，但这种塔形构图不是很呆板的对称公式，中心人物的圣母仍稍微向左侧倾，而塔形构图的下部却接近于棱形；约翰的头部略低于对面天使的头部，两角不相平衡，由于背景洞口的亮光被加强了,它们的色彩对比仍然是稳定的。全景既显得庄重，又很自然，它具有古典美的造型特色。 我们还应注意这幅画的背景描写：达芬奇不仅是一个卓越的风景画家，更主要的是，他以探索者的眼光，非常注意这种溶洞内的岩石结构。洞内的钟乳石对于文艺复兴时代的科学研究者来说，是一种地质学所探求的对象。这里又进一步反映出达芬奇对地质地层的知识的广泛兴趣。在15世纪意大利的所有壁画上，一般人物总是被放置在风景前面的，而不是放在风景之中。达芬奇在这里第一次把人物安置在特定的风景中间，让人物的境遇与阴暗的古老岩洞融成一个整体，这是大画家在构思上寻求典型环境与典型性格的一个独创。在色调上，全画是以棕褐色为基调的，圣母身上的深青与天使披风上的紫红、金黄和银灰色构成对比；耶稣与约翰的肌肤，与约翰的金**鬈发构成对比。阴暗的岩洞使达芬奇发挥了他最擅长的明暗对比法则。” 《岩间圣母》充满了暗示与象征，显示了达芬奇谜样的心灵，天使以明显的手势指着圣约翰有何含义？被圣母保护着的圣约翰是否代表人类需要圣灵的保护？而被描绘得像子宫般造型的洞穴，是不是暗示着生命的起源？学者们热烈地讨论这些问题。然而达芬奇本人却像所有大画家一样，从来就不解释他作品中的含义，他相信观者必然感觉得出非文字所能形容的弦外之音。显然达芬奇在此作品中综合了他过去的学习心得。 洞穴外的风景表现了空气透视，众人物形成了金字塔结构，其顶端则是圣母的头部。天使的面容表达出达芬奇的理想美，其表情特征，不似他为韦罗丘所绘《基督受洗》的天使那般表露于外表，而是散发自内心。人物以明暗表现法来描绘，技法已达出神入化的境界。这表明达芬奇已向文艺复兴初期告别，而开始迈向文艺复兴时期的高峰阶段。 第二幅在色调上，全画是以棕褐色为基调的，圣母身上的深青与天使披风上的紫红、金黄和银灰色构成对比；耶稣与约翰的肌肤，与约翰的金**鬈发构成对比。阴暗的岩洞使达·芬奇发挥了他最擅长的明暗对比法则。这种画原是作为祭坛画画在板上的，两侧还有屏风画。作为一幅尚未最后完成的作品，它与1508年重新复制的一幅《岩间圣母》，在人物与色调上均有出入。在这后一幅上，人物更拉近一些，而且改掉了天使那只不自然地指向约翰的右手；她的视线也不再朝向观众，而是瞧着两个孩子的活动。就这一点看，它比前一幅显得成熟些。但在色彩上，圣母的深青色斗篷被改为深蓝色了，天使的红色披风变成了双翼。色调不如前一幅来得富有暖意。可能这是画家晚期作画精力不支之故，也可能是由他的弟子所绘，但尚没有可靠的资料为此佐证。[编辑本段]绘画风格 《岩间圣母》是达·芬奇在米兰完成的第一幅绘画作品，这幅作品极其复杂，展现画家美学思想的“纯宗教”思想。此前由于在佛罗伦萨没有完成《博士来拜》，早已形成这种美学理念没有充分表现出来。《岩间圣母》成为伦巴第地区的达·芬奇画派绘画“方式”的典范。将人物置于阴暗的环境中，以赋予光亮中涌现的景物真正的启示力量，这种崭新的绘画方式使人物、光线和“次要光线”交织在一起，画布上弥漫着浓重的宗教气息。 《岩间圣母》是达·芬奇受委托而在1483年开始创作的祭坛画。画中的圣母玛丽亚完全像一位普通的慈祥的母亲，她坐在那里，用亲切的目光，和蔼的微笑抚慰着身边的孩子。她的右边是小约翰——施洗者，左边是童年的耶稣和一个天使。幼小的约翰和基督耶稣在嬉戏玩耍。圣母用右手挽着小约翰，用左手遮在小耶稣的头上，好像要把这人和神在爱之中结合起来，耶稣旁边的天使用手扶持着小救世主，另一只手指着小约翰，面带一种温柔、奇异的微笑，其中充满了痛苦的预感。她的音容姿态，显得美丽绝伦。感情被高超的手法表达出来。她的手势似乎包含了两种含义，既为她的孩子祝福，又在保护她的孩子。尚在蹒跚学步的小耶稣坐在地上，脸上急显露出孩子的天真，又暗含了超出常人的智慧。画中人物与景色搭配和谐，给人以安宁祥和的感觉。圣母子、约翰、天使所处的山洞，传说是上帝创造世界的地方。那些岩壁像是庞大的深色结晶体。远处，从岩石中间看到带着潮气的阳光穿过雾云照在尖形的蓝山之上，神秘而又庄严。地下泉水在攀藤植物和石松根上潺潺流淌，地上遍布兽蹄形的水草叶子和淡白色泽兰花的花萼。在朦胧的洞穴中，人体轮廓渐渐淡弱，而面容在忽明的光线中如同细致的白玉，充满内在的生气。人神之母和自然之灵的水乳交融，使画面呈现出浓郁的诗意和深邃的哲理。 达·芬奇在艺术和科学两个领域的成就一同被《岩间圣母》这幅作品表现出来。画面上每一块岩石，每一棵草，每一朵花，都足以证明达·芬奇在地质学与植物学方面的渊博知识。画中采用重叠的岩壁多方面反射过来的柔和的光线，不仅造成人物脸部与身体细致入微的质感，同时还赋予形象以独创的富有诗意的光晕。还有人体的组织构造，身上皱纹和女人鬈发的机械学法则，这些被科学家达·芬奇用精确的实验证明的科学知识，现在又被艺术家达·芬奇结合成一个富有诗意的画面整体，转变为一支生动的、无声的音乐，一曲美丽的，自然的赞歌。达·芬奇在自己的作品中，把高不可攀、可望而不可及的“神”拉到凡间，成了亲切、生动的人，人与自然景物浑然一体，安详和谐的气氛与和谐静谧的自然景色令人神往，很自然地使人们想到温馨、甜美的家庭生活，圣母和耶稣就是这家庭中的一员。 然而这幅画却遭到委托者的非难。他们以圣母子头上没有圣光，约翰没有十字架，天使无神翼为由，拒绝付款，并对达·芬奇提起诉讼，讼事纠缠达20年之久。直到1508年，达·芬奇的弟子阿姆勃罗乔·德·波列迪斯在达·芬奇的直接指导下，完成了《岩间圣母》的复制画，在圣母、耶稣的头上加了光圈，给约翰加了十字架，让天使长上了翅膀，把这幅画交给了委托人，官司才算了结。但与原画相比，摹本所有的价值可谓差之千里，望尘莫及。 在整整25年中，《岩下圣母》成为达·芬奇与他在米兰的出资人同行会之间矛盾的焦点。尽管发现新的文献材料，这件纠纷的一部分内情仍然是个谜。从第一幅画失踪，它就成为产生无数利益纠纷的原因。误工、表示怀疑的申诉、庭审及判决，一件接着一件，一直到同意完成画作。 1483年4月25日，达·芬奇接受委托，花了7个多月的时间就已经结束了绘画。但一直到1508年10月23日，他才得以在早以完工的作品上签字，交付委托者。 这幅画出色地结合了达·芬奇晦涩、神秘和充满暗示的绘画风格，源源不断地表现出象征意义和神学思想。潮湿，开满鲜花的岩洞，笼罩在宗教和玄奥的光环中，增添了神秘情调和神话色彩。岩洞及消失在远处的难以接近的群山表现出了无穷无尽时空中的地质世界，它们构成了发生纯宗教的神圣事件的神秘舞台，每一个动作都暂停下来，似乎是为了抓住这将改变人类历史的一瞬间。画中人物不符合I483年合同中的承诺（圣母和圣子在两个天使和两个先知的簇拥下，但没有圣约翰），让我们看出达·芬奇的异端企图。 1485到1490年之间的两幅画作，《音乐家》和《抱白鼬的夫人》证明了达·芬奇为肖像画样式所带来的深刻革命。《音乐家》是真正的参照大全，从《吉尼伏拉·本齐肖像》中“闪亮”的鬈发到《圣哲罗姆》中笔画如刻的体形，因对新人物强烈的心理刻画得以加强，这点将在《抱白鼬的夫人》中发挥得淋漓尽致。在《音乐家》这幅画中，人们能观察到伦巴第人果断的性格、北方带来的影响及对肖像的生动描绘，这种描绘让人联想到歌唱家调整"动作和气息"的音乐间歇。达·芬奇参与了这幅画的创作，这点几乎可以肯定，画作的准备工作和绘画的技巧都出自他手，至多某个像德·波列迪斯那样的助手协助作了一点点微不足道的工作。 在18世纪末，《抱白鼬的夫人》从意大利进入波兰恰尔托雷斯基家族的收藏室之前，人们没有任何有关的可靠材料。虽经过多次修缮，这幅画对观众造成的威慑力仍旧比《蒙娜丽莎》更胜一筹。画面的节奏和空间中女性身形与白鼬相反的螺旋转动，在肖像艺术中绝对是新现象。
简述卡拉瓦乔的绘画特点
作为一位无私奉献的人民教师，有必要进行细致的教案准备工作，编写教案有利于我们科学、合理地支配课堂时间。教案应该怎么写才好呢？下面是我收集整理的中班美术教案5篇，欢迎阅读，希望大家能够喜欢。
中班美术教案 篇1活动目标：
1．了解几种常见的海洋生物，综合运用搓、压、盘、手捏等多种方法表现海底生物的形态糕
2．会利用多种废旧材料进行装饰。
3．能充分想象、尽情创作。
活动准备：
1．幼儿已欣赏过"海底世界"视频。
2．师幼共同收集各种废旧材料。
3．音乐《水族馆》。
4．陶泥及操作工具人手一份。
活动过程：
1．谈话活动。
教师：我们一起欣赏过奇妙的海底世界。海底都有些什么？它们是什么样子的呢？（鼓励幼儿大胆交流）
●通过活动前的视频短片，幼儿能够身临其境地感受到海底世界的奇妙，对于海洋生物也会有更深刻的感性认识。把自己的感知经验通过语言表达出来，这也是一种知识的再现和积累过程，而且通过让他们充分表达，幼儿各自的感知经验得到分享。
2．分组讨论：用学过的多种方法塑造奇妙的海底世界。
(1)引导幼儿思考自己制作的内容及方法。
教师：你想制作些什么？准备怎么做？
(2)幼儿分小组讨论。
(3)请小组代表交流作品构思。
3．幼儿分组制作，教师巡回指导。（播放背景音乐）(1)鼓励幼儿运用搓、压、盘、手捏以及各种废旧材料来制作和装饰。
(2)教师适时帮助有困难的幼儿。
4．展示幼儿作品，引导幼儿相互评价。
(l)鼓励幼儿将本组的作品编成一个故事。
教师：请每组的代表来讲讲你们的海底世界里发生的故事吧。
●此环节可以充分调动幼儿在语言方面的组织能力和表述能力，更好地介绍小组的创作意图。
(2)教师对构思新颖的作品予以重点点评。
活动建议： ☆家园共育为了让幼儿能更好地表现各种海底生物，家长可以引导幼儿有目的地欣赏一些实物鱼。有条件的可以去水族馆参观并用相机拍摄下来，回家后与幼儿一起讨论鱼的身体是什么形状的，用泥怎样来体现，鱼鳍除了用泥做还可以用什么辅助材料来表现更好，等等。这样有利于帮助幼儿学会思考，学会知识经验的迁移。
评析
本活动是幼儿在陶艺中所学技能的综合运用。因为是初次进行综合技能的使用，会有些难度，但教师不必参与太多，做好引导和鼓励即可。如，在制作前注重幼儿间的相互交流和协商，体现幼儿间的互动与经验的分享；在制作过程中尽可能地鼓励幼儿运用多种方法来制作海底的生物，注意废1日材料的创意使用，力求新异等。
中班美术教案 篇2活动名称： 美术欣赏《向日葵》
活动目标：
1、激发幼儿欣赏美好事物的情感。
2、培养幼儿审美能力和习惯，初步从自我审美的角度进行评价。
3、引导幼儿欣赏著名静物画向日葵的造型和色彩，并大胆说出自己的感受。
活动准备 ：课件、向日葵的挂图、小幅向日葵图画若干、关于梵高的其他资料等
活动过程：
1、简单提问、直接进入活动主题
小朋友们，我们刚才看到的是什么啊？向日葵生长在什么地方？它为什么叫向日葵呢？
2、重点不同的欣赏向日葵的其他作品
欣赏完真实的向日葵，那我们起来看看画中的向日葵吧。（1）这幅画和我们平常画的画有什么不同？主要让幼儿知道油画的一些简单知识和作品的名称《剪下的两支向日葵》（2）知道作品的名称《剪下的四支向日葵》（3）向日葵是在哪里的？所以画名就叫做《花瓶中的五支向日葵》（4）我们一起数一数一共有几支向日葵啊？那给你它起一个好听的名字吧？《花瓶中的十二支向日葵》
3、欣赏《花瓶中的十四支向日葵》
（1）优美音乐、充分欣赏。让幼儿在优美音乐的烘托在自由欣赏作品。
（2）逐步提问，深入欣赏
这些都是一个画家画的向日葵，他特别喜欢这种植物。我们今天重点欣赏这一幅作品。
提问：你感觉这幅画怎么样啊？让幼儿自由说出感想。
提问：画面上有几支向日葵？这些向日葵是在哪里的？花瓶、桌布分别是什么颜色的？（金**最能代表向日葵，同时也是画家最钟爱的颜色）每一支向日葵一样吗？哪里不一样？它们都有什么样子的？（画家的线条有力，向日葵姿态优美）大的向日葵和小的向日葵有什么不一样？为什么还有低着头的向日葵？为什么画家不画成一个样子的呢？向日葵象征了些什么？画家画这幅向日葵要告诉我们什么？
4、请幼儿欣赏小，相互交流。“你喜欢这幅画吗？它哪里画的好？为什么好？”
5、幼儿大胆表述自己的想法，用语言和肢体动作分别表示。“你看了这幅画，心里有什么感受？”引导幼儿用肢体动作进行表现。
6、介绍画家的有关背景
背景：荷兰人，但生活在法国。享年37岁。在34的时候去向日葵情有独钟，绘画向日葵十余多幅，画家的所有作品都是在死后才被别人认可和接受的，直到现在都影响是世人。
家庭：出生牧师家庭、穷困；父亲善良、乐于帮助穷人，有兄弟姐妹好几个。
性格：善良、勤奋、喜欢帮助别人、孤僻。
提问：画家梵高是一个怎样的人？ 你喜欢他吗？喜欢他的哪些地方？
7、活动延伸
为幼儿准备了有关梵高的其他有关资料，以展览的形式出现。让幼儿更加生入的对画家进行全面的了解。
中班美术教案 篇3活动思路：
在语言活动区，我利用瓷砖墙壁为孩子们创设了一幅背景图，有草地、马路、家门口等地点，引导孩子们摆图讲述，在马路上，我添上了一些汽车，这无意的一举着实吸引了孩子们的注意力，在过后的几次游戏中，美术区的孩子们画起了汽车，并且对之意犹为尽。通过观察，我发现孩子们的观察点都停留在粗轮廓上，画的汽车只是简单的长方形和圆形的组合，没有注意到汽车的另一些主要的特征；在涂色时，孩子们没有意识到用多种色彩表现会更漂亮，只是一色到底；在与孩子们的个别交流中，我发现孩子们的想象还是很丰富的，如他们把简单的汽车说成各种功能的，说出想象中的漂亮的颜色等，可见，孩子们有美化汽车的愿望，只是表现与设想之间存在着一定的差距，为此，我设计了汽车这一活动，旨在引导幼儿在学会观察的基础上，更好更流利地表现设想中的汽车。
活动目标：
1、引导幼儿通过观察，能更具体地表现出汽车的外部特征，能画出玻璃窗、驾驶室，方向盘、反光镜等，使幼儿的绘画表现能力有所提高。
2、引导幼儿选择多种色彩表现汽车的美，注意图色时的要点，如均匀、不涂到轮廓之外等。
3、在活动中引导幼儿掌握正确的收放物品的方法，学会按口令做出反应，形成有序的活动常规。
4、会用它们大胆地进行艺术表现与创造，喜欢装饰。
5、鼓励幼儿乐于参与绘画活动，体验绘画活动的乐趣。
活动准备：
1、收集幼儿的玩具汽车，利用游戏时间引导幼儿边玩边观察。
2、大的汽车模型（轿车、公共汽车），音乐《开汽车》，道具红绿灯。
3、作画纸，水笔与油画棒。
活动过程：
1、玩开汽车的游戏，引出课题。
在音乐声中，幼儿与教师一起开汽车，师：“嘟嘟，前面有盏红绿灯，红灯亮了怎么办？（停）如果闯红灯那会怎么样？那我们小朋友可不能闯红灯啊！”出示大的汽车模型，进入下一步。
2、引导幼儿观察汽车的外部结构。
师：“我们一起来看一看，我们的汽车是什么样子的？有些什么？象什么形状？颜色怎样？”引导幼儿大胆讲述，表达自己的想法和意愿。
3、学习绘画汽车。
出示大模型，师：“老师这儿有辆大汽车，我想把它画下来，你们一起来帮助我，好吗？”请幼儿尝试绘画大的轮廓，教师与幼儿一起添画小细节。教师根据幼儿观察的结果边讲边画，使幼儿明白观察的作用。
师：
4、幼儿绘画，教师指导。
提醒幼儿先画出大的轮廓，帮助能力差的幼儿定位。
鼓励、启发幼儿根据自己的观察添画细节。
5、讲评
（1）幼儿在音乐声中开着自己的汽车到好朋友那儿，和自己的朋友一起讲讲自己的汽车。
（2）教师观察，对有创新的.作品进行点评。
（3）给未完成的幼儿一点时间补充完整。
活动反思：
本次活动幼儿基本达到了目标。幼儿绘画时能大胆画出轮廓并添画观察到的特征，有创新，如：李瑭小朋友就画出了车门，好些小朋友添画了人物，胡宇恒小朋友画的汽车是与范例不同的，充分体现了他的创新意识。在着色时，孩子们也有意识地挑起了色彩，嘴里还哼哼着要把自己的车子打扮得漂亮一点。在整个活动中，孩子们的情绪是高昂的、饱满的，他们将他们对汽车的认识用语言、画笔及动作表现了出来。
在活动设计中，我利用“红绿灯”的道具，一方面渗透社会常识教育，另一方面希望能帮助幼儿形成按信号作出反应的能力。
由于幼儿平时已在着手画汽车，所以在活动中，我选用了幼儿未画过的小轿车来作示范，增加活动的新意与难度，在示范时我有意识地在行动中强调观察的意义。为了使时间更紧凑，在涂色示范时我采用了口述要点和直接出示范例的形式。
每个幼儿的发展水平都是不一样的，为照顾到个别，在活动结束时给幼儿一段自由的时间补充，同时，这样也能帮助幼儿形成有始有终的学习习惯。事实上孩子们确实需要这段时间，使自己看到自己的成功作品。
本次活动实施中的重点在于幼儿的观察，如思路是否开拓，幼儿本身是否投入到表现的活动中，而不单是为了画得好，轮廓定位也是一重点，由于幼儿的动作发展及其他心理等原因的限制，幼儿下笔画的都比较小，这样会影响到下面的添画，在操作中，孩子们通过看实物，以实物来作参照物后，很自然地画得较大。
中班美术教案 篇4美术泛指创作占有一定平面或空间，且具有可视性的艺术，就叫作美术，下面是为大家整理的中班美术活动教案。
中班美术活动教案一：星空幼儿园中班美术优质课教案：星空
一、活动目标
1．通过谈话欣赏活动使幼儿自由想像、大胆绘画．培养幼儿初步的创新意识；
2．引导幼儿选择适当的方法、颜色表现星空。
3．培养幼儿审美情趣，激发幼儿对艺术活动的兴趣。
重点与难点：如何激发幼儿自由想像，大胆表现多彩的星空，培养幼儿表现想像中的星空及组织画面的能力。
二、活动准备
视频仪。梵高的作品《星空》绘画工具、材料若干。
三、活动过程
1．对话交流
师：你见过美丽的夜空吧?夜空中有什么?师；你见过、你知道的星星是什么样的?幼儿小组交流教师提出的问题。幼儿：有熊星、望远镜、飞机星、机器星?
2．欣赏教师与名家的作品
①首先欣赏梵高的《星空》。请幼儿谈谈自己的感受。教师重点引导幼儿欣赏画面中的形象，笔触及色彩。
②欣赏教师的作品：教师眼中的星空是五彩缤纷的，有菊花星、仙女星。教师重点引导幼儿教师是如何表现星空的?教师如何把想像的星空用画笔描绘出来。
3．创作与交流
①师引导幼儿相互交流想像中的星空分别是什么样的?
②幼儿动手绘画，师有重点观察，辅导幼儿绘画。
4．作品评议
面对幼儿的作品，师生共同欣赏评价。
活动结束。
活动评析
此活动评析从内容选择、活动设计、教学过程，教师的教法与表现．教学效果五个方面进行。
首先，教师在选择内容方面能考虑幼儿年龄特点。兴趣、经验和接受能力。“星空”主题具有广泛性，挑战性，和前瞻性，内容能激发幼儿的内心感受．培养幼儿的想像力和创新精神。
第二，在活动设计方面教师考虑到了幼儿知识经验和生活经验准备，教具、学具的准备．同时还有教师自身的准备(如略案，详案的准备)，具体思路是观念树立一一信息收集一一资料准备一一教案设计。
第三，教学过程分为四个层次：感觉一一智慧(领悟，发现，想像)一一表现一一创作。教师通过谈话导入星空的话题，引起幼儿的兴趣，教师的问题是递进的：你见过美丽的夜空吗?夜空中都有什么?你见过．知道的星星是什么样的呢，没见过的星星又是什么样的，幼儿回答的过程也是思维逐渐深入扩展的过程。幼儿讨论星空中有星星，月亮、勺子星、房子星、大熊星、飞机星、桃子星等。过程的第二块内容是欣赏教师与名家的作品，并讨论交流，孩子们的积极性高，表现好，幼儿为教师的作品鼓掌，为大师的作品惊奇，纷纷发表自己的见解大师的作品进一步引导幼儿观察教师眼中的星空，是想像转化为具体表现方法。大师的作品引导幼儿感受作品的意境美及简单的表现技法，线条，色彩的运用，提醒幼儿用喜欢的材料，合适的方法表现星空。有许多幼儿直接用小手，触摸喜欢的颜色，大胆绘画，自由表现。小手自由了，心灵自由了，伴着兴奋的情绪体验，潜在的艺术本能被调动，创作热情充分展示。作品评议是活动必要和重要的一部分，是另一个欣赏活动。评议以师幼儿自评、互评为主，幼儿互为学习，互相提高。
第四，教师的教法与表现。教师创设条件丰富幼儿的生活，知识经验；注重幼儿审美情感的体验，创设轻松愉快的环境，自由感受美，表现美；提供多种材料，实践操作中发展幼儿手眼协调和动手能力，教师具备一定的艺术素养，较广泛的艺术知识和技能，并且有创新精神。
第五，教学效果。幼儿的作品可以是创新的、多种多样的，每位幼儿的星空各具特色。如会炸的星，治病的星，机器人星，开满鲜花的星空，灯笼星空，蛇星，表现手法也多种多
样(画、吹、喷)，很好的完成了教学目标，开阔了幼儿视野，发展了幼儿的想像和创作，培养了幼儿的口语表达能力，调动了幼儿积极情感，体验了成功，培养了自信。
总之，此次活动．幼儿在教师的正确引导下，在感知、理解、活动过程中，幼儿不断丰富内心感受，儿童乐于表达，善于表达，争着表达．并创作了一幅幅充满童真、童趣，富有创新的作品。(来源：屈老师教案网)
中班美术活动教案二：幼儿园中班美术教案：蜗牛去哪儿了（优质课）
活动背景
外出活动时，晨晨找到了一个小蜗牛。过了一会儿，小蜗牛从壳里探出头，在晨晨手里慢吞吞地爬。几名小朋友围在晨晨身边，饶有兴趣地观察着。老师看到孩子们对小蜗牛这么有兴趣，就将它装进瓶子放在了班上的自然角里，由此，班上就开展了主题活动一一蜗牛。在主题活动中，孩子们观察了蜗牛的外貌特征，了解了蜗牛的饮食习惯、生活习性。可是，有一天，由于瓶子没有盖严，小蜗牛不见了，孩子们在活动室里找来找去也没有找到。晨晨很伤心，有的孩子还互相埋怨。为了安慰孩子，调整孩子的情绪，教师抓住这个教育契机，设计了绘画表述活动《小蜗牛去哪儿了》。
活动目标
1、鼓励幼儿大胆想像，并通过语言、绘画或粘贴的形式表现出来。
2、引导幼儿关注周围的生命，养成积极的生活态度。
活动准备
1．经验准备：观察蜗牛的外貌特征，了解蜗牛的生活习性。
2．背景图：大树和草，毛毛虫和菜地，花园和蝴蝶，小河和青蛙。
3．环境布置：蜗牛、蜗牛生活背景、幼儿观察记录。
4．材料：半成品剪贴画、八开白纸、油画棒、胶棒、手工布等。
5．电教器材：视频仪、录音机。
活动过程
1．听一听
（1）教师交代故事名称——小青蛙旅行记。
（2）放录音——自编童话故事《小青蛙旅行记》（附后），边讲边通过视频仪出示背景图。
2说一说
（l）教师引出主题：故事里的小青蛙去旅行，可高兴了。咱班自然角的小蜗牛丢了，小朋友都很着急。其实小蜗牛也去旅行了，旅行是一件多快乐的事啊。你们想一想，小蜗牛可能到哪里去旅行呢？它会碰见谁，看到什么，遇到什么事呢？
（2）围绕这几个问题，让幼儿找同桌或自己的好朋友一起讨论。教师走到幼儿中间，倾听他们的想法。
（3）全班幼儿一起交流。
3．画一画
（1）教师引导幼儿将自己的想法画出来（介绍提供的材料），鼓励幼儿大胆表现。幼儿按自己的意愿选择需要的材料。
（2）幼儿绘画、粘贴。教师细心观察，根据幼儿的实际需要给予适当的支持、帮助和指导。
对不敢大胆绘画的幼儿，教师可以用游戏的口吻说：“小蜗牛去哪儿了？它找妈妈去了。”这样，幼儿重复地画出同样的蜗牛，就有成功感了。教师还可以说：“小蜗牛找花姐姐去了，花姐姐什么样呢？”引导幼儿从颜色、形状等方面考虑，画出花姐姐。
对不会画的幼儿，教师可以引导他们挑选适当的半成品材料，粘贴蜗牛及背景。
对不喜欢换色的幼儿，教师可以引导他们欣赏环境创设中的作品或其他幼儿的作品，让孩子感知色彩的美。
4讲一讲。
（1）教师引导画完的幼儿讲画。幼儿拿着自己的画，把小蜗牛去旅行的经历讲给老师、小朋友或其他人听。
（2）教师协助
幼儿将作品粘在展示板上；幼儿互相欣赏、交流。
活动延伸
幼儿将自己的绘画作品编成一个个小故事，录音后送给小班的弟弟妹妹听。
教师协助幼儿将绘画作品装订成书，放在图书区，供大家阅读和讲述。
中班美术活动教案三：《放烟花》活动目标：
能愉快地参与活动，体验创作的乐趣。
能大胆地想象并表达自己的想法，尝试用不同的色彩，以拖画的形式拉出线条。 学习词语“五颜六色”、“色彩缤纷”，知道人们什么时候放烟花，放烟花的安全事项，提高安全意识。
活动准备：
PPT课件、各种颜料、蓝色卡纸若干、细绳子若干。
活动过程：
师幼共唱儿歌《小星星》，激发幼儿兴趣与想象，引导幼儿观察画画材料。 提问：今天画画用到的材料与平时有什么不一样？
看到这张蓝色的纸，你想到了什么？
师幼共同示范。
教师示范，用手捏住绳子的一端，蘸上颜料，拉出线条，请个别幼儿示范。
鼓励幼儿大胆想象，看看，这张蓝色的纸在你们和我的共同努力下又添上了几笔，现在又让你想到了什么？
幼儿创作，教师巡回指导。
展示幼儿作品，学习词语“五颜六色”、“色彩缤纷”，知道人们什么时候会放烟花，放烟花的安全事项。
提问：这么多的颜色，可以用什么词语来表达？
这么多线条，这么多的颜色，让你想到了什么？引导幼儿说出烟花。 人们什么时候放烟花？放烟花时我们要注意些什么？
提醒幼儿在放烟花时一定要注意安全，要让爸爸妈妈来放，小朋友要站远一点观看。
师幼一起欣赏和评价作品。
中班美术教案 篇5授课班级：
中班
内容分析：
《路边的树》是从中班主题《我在马路上》中延伸出来的活动。马路与幼儿生活紧密相关，路边的树是孩子既熟悉又陌生的，在充满想象的孩子们眼里，树是具有生命的小精灵，在进一步观察大树的过程中孩子们会有什么样的发现和惊喜呢？换位思考，如果孩子是树每天站在马路边会看到什么呢？此活动旨在通过马路上的树，从一点向多点引发孩子的想象，让幼儿在已有经验的基础上感受创新思维的乐趣，培养幼儿良好的创新思维习惯。在活动过程中，幼儿将获得更丰富的有关树的感知经验，并通过想象与艺术操作相结合，在创新、科学、艺术等领域获得进一步的发展。
幼儿分析：
中班幼儿的思维主要依据具体事物的形象和对它们的联想，而且多是在动手玩乐中进行思维。所以本次活动借助中班孩子比较熟悉的树，在游戏、观察、制作中多角度地引领发现并产生突发奇想，有利于提高动手能力，培养幼儿的自信心，还能培养良好的学习、思维习惯，可谓一举多得。
设计思路：
大树就在孩子身边，以生活经验为基础，给孩子一个体验创新思维乐趣的良好载体——树，通过层层引导、提升，激活孩子的创新思维，引导他们在看看、想想、说说、做做等多感官参与的情况下，充分体验和感受到创新思维活动的乐趣。具体设计思路是：经验交流——观察想象“树”——添画想象“大树的眼睛”——换位想象“马路上的热闹”。
活动目标：
1、根据树的形态、颜色进行想象，初步学习从一点向多点发散的思维方法。
2、通过创造性地表现大树的眼睛，想象和感知马路上的热闹。
3、鼓励幼儿乐于参与绘画活动，体验绘画活动的乐趣。
4、喜欢参加艺术活动，并能大胆地表现自己的情感和体验。
活动准备：
1、材料准备：水粉颜料，水粉笔、围裙、套袖、与孩子相当的
2、幼儿知识经验准备：调查了解哪里有树
3、课件的准备：有关大树的PPT
活动过程：
（一）导入，经验回顾
1、经验交流。
师：“在来幼儿园的路上看到了什么？”
PPT出示“树”，“今天我们来讨论树，哪里有树？”引导孩子交流对树的位置的经验影像，促进孩子对新经验的建构。
2、大胆说出树好在哪里？并通过教师的回应提升，了解树木能净化空气、美化环境等功能，引发孩子的情感同时引出孩子们对树的热爱。
（二）欣赏课件，引发想象
1、在轻柔的背景音乐中，欣赏PPT中“树的美景”。并通过欣赏，引导孩子大胆说出自己心中所想，从而为孩子广阔的想象做铺垫。
2、使用有趣的方式引导幼儿参与PPT的操作（用我们的小手依次“点开”PPT中的色块），通过PPT出示不同形态的树，引发孩子从树的颜色、形态进行想象。
（1）绿色色块——绿色树叶的形态奇异的树。“这棵树像什么？”根据树的形态来想想象。
（2）**色块——**树叶的形态奇异的树。“这是哪个季节的树？这棵树像什么？”同样根据树的形态来想想象。
（3）红色色块——红色树叶的树。“红颜色的树让你想到了什么？”根据颜色进行发散性的想象。
（4）蓝色色块。“猜猜蓝色色块后，藏着什么样的树？”通过老师的质疑“你见过蓝色的树吗”，来引发对“灯树”的了解和想象。
（三）动手玩乐，换位想象
1、添画想象：“如果树有眼睛会是怎么样的呢？”通过美术活动创造性地表现大树的眼睛。
2、换位想象：“如果大树站在马路边上它会看见什么？”想象和表述马路上的热闹。
3、自由操作，引导孩子们在动手玩乐中进行思维。
“你的树是什么样子的呢？”引导孩子发挥自己的想象进行大胆创作，表现心中“树”；并通过添画不同的色段来换位想象“我看到了（马路上的）……”
（四）展示分享，活动结束
与同伴互相说一说“你的大树看到了什么？”引导幼儿互相交流分享（也可以与听课老师来分享自己的作品和想象。）
教学反思：
引领幼儿再次深入地进行探索，给幼儿留出探索的余地和延伸的空间。整个活动，给予幼儿较宽松的氛围，教师只是充当了活动中的支持者，鼓励者，合作者，引导者，用心倾听幼儿的表述，并及时的梳理与小结。
试分析法国印象主义美术
米开朗基罗·梅里西·达·卡拉瓦乔（1573年9月29日—1610年7月18日），意大利画家，1593年到1610年间活跃于罗马、那不勒斯、马耳他和西西里。他通常被认为属于巴洛克画派，对巴洛克画派的形成有重要影响。
卡拉瓦乔的一生醉人、危险而又充满了谜。1600年，他突然出现在罗马的艺术圈，此后就再没有缺少佣金和资助，尽管他将自己的成功经营得很糟糕。关于他最早的评介见于1604年，这份材料描述他大约3年前的生活方式，说“他干两周的活儿就能跨剑大摇大摆逛一两个月，还有一个仆人跟着，从一个球场到另一个，总是准备争吵打斗，因此跟他在一起狼狈之极。”1606年，卡拉瓦乔在争斗时杀死了一个年轻人，人家悬赏他的项上人头，于是他逃离罗马。1608年，他又在马耳他卷入另一场争斗，之后的1609年，在那不勒斯，还是争斗，这次可能是不明来历的对头要取他性命。到下一年，度过十年多一点的画家生涯后，卡拉瓦乔离开了人世。
在16世纪末到17世纪初的几十年间，罗马一直在建造巨大的教堂和宏伟的宫殿，需要大量画作。当时反宗教改革派教堂在搜寻正统的宗教艺术以还击新教的威胁，因为此前统治艺术界近一个世纪之久的风格主义不足以担此重任。卡拉瓦乔带来的是一种激进的自然主义，兼具近乎物理上精确的观察和生动甚至充满戏剧性的明暗对照画法。在卡拉瓦乔手中，这种新风格是达到真实性和灵性的工具。
虽然卡拉瓦乔在世时声名显赫，死后的几个世纪里却被人们完全遗忘了，只是在20世纪的最近几十年才被重新发现。尽管他影响了d衰亡后几乎所有的艺术风格，但对新兴的巴洛克艺术才是真正影响深远的。安德烈·贝恩-若夫鲁瓦(保罗·瓦乐希的秘书)评论道：“坦率地说，卡拉瓦乔的工作标志着现代绘画的开始。”
生平
早期生活（1571年—1592年）
卡拉瓦乔镇是个离米兰大约三十公里的小镇，卡拉瓦乔的父亲费尔莫·梅里西是镇上弗兰西斯科·斯福札侯爵的管家和建筑装潢师。卡拉瓦乔的母亲露西娅·阿娜托莉来自本地一个富有的家庭。梅里西的孩子们（米开朗基罗是长子）都不在镇子的洗礼记录上，他们可能都生于米兰，因为梅里西住在侯爵在米兰的宅邸。1576年，为了避开肆虐米兰的瘟疫，卡拉瓦乔一家搬到了卡拉瓦乔镇。次年，卡拉瓦乔的父亲在此去世。据推测，卡拉瓦乔可能在卡拉瓦乔镇长大成人，而童年则是在米兰度过。在米兰，卡瓦拉乔家似乎不仅与斯福札家族，还和显赫的科隆纳家族有来往，科隆纳家族和斯福札家族有联姻关系，在卡拉瓦乔后期生活里扮演重要角色。
1584年，卡拉瓦乔开始了4年的学徒生涯，师从据称是提香学生的米兰画家西蒙·彼得扎诺。学徒期间，卡拉瓦乔好像一直待在米兰和卡拉瓦乔镇，但他也可能去过威尼斯，看到过吉奥乔尼和提香的作品，因此后来他被指责模仿吉奥乔尼。的确，他熟悉米兰的艺术珍宝，包括达·芬奇的《最后的晚餐》，还有当地的伦巴第艺术。伦巴第艺术风格倡导“简单、关注自然主义细节”，较之风格拘谨庄重的罗马风格主义，伦巴第艺术更接近于德国自然主义。
罗马时期（1592年-1600年）
1592年年中，卡拉瓦乔到达罗马，“衣不蔽体，极度贫困……居无定所，缺吃少穿……身无分文。”几个月后，他开始为当时风头正健的朱塞佩·切萨里（教皇克雷芒八世喜爱的画家）当枪手，在看起来像厂房的工作室“画鲜花和水果”。这一时期，卡拉瓦乔为人所知的作品包括小幅的《削水果男孩》（已知的最早画作），《捧果篮男孩》和《年轻的酒神巴克斯在病中》以及他重病康复过程中画的一张自画像，病好后他不再受雇于切萨里。这三幅作品都显示了物理学上的精确（卡拉瓦乔现实主义的一面），由此他开始成名。一个园艺学教授曾经分析认为，捧果篮男孩捧的水果能用来确定栽培品种。“一大片无花果叶子上明显有真菌引起的烧灼状斑点，很像是植物炭疽病。”与现实主义一面共存的是心理的一面：捧着一个沉甸甸的篮子，男孩显然有点厌烦了，但他同时又觉得好玩，所以顺从；他赤裸的肩膀被画家处理得充满肉欲，很明显这是画家对他的模特的感受；但这个男孩虽然友好，却对画家的感受没有任何回应。
1594年1月，卡拉瓦乔决心走自己的路，他离开了切萨里。他的人生到了最低潮，但也就在这个时候他与几个人结下了非常重要的友谊，分别是画家普罗斯佩罗 ·奥尔西、建筑师奥诺里奥·隆吉和16岁的西西里岛艺术家马里奥·明尼蒂。已经在画坛确立地位的奥尔西把卡拉瓦乔介绍给有影响力的收藏家；隆吉更是要命地把他带入了罗马街头的争斗世界；明尼蒂则变成他最经常的模特及伴侣。《算命者》是首幅超过一个人物的画作，画得是马里奥正在被一个吉普赛女郎欺骗。这个主题在罗马来说非常新颖，在之后超过一个世纪的时间里产生了巨大的影响。不过，那时候卡拉瓦乔售出它几乎没挣到钱。《纸牌作弊老手》——表现另一个不懂世故的男孩落入纸牌骗子的圈套——心理上更复杂，也许是卡拉瓦乔的第一件真正的杰作。像《算命者》一样，《纸牌作弊老手》非常受人欢迎，现存有超过50个副本。更重要的是，它吸引了红衣主教弗朗切斯科·马里亚·德尔·蒙特的光顾。弗朗切斯科·马里亚·德尔·蒙特是罗马城里重要的鉴赏家，自此以后，卡拉瓦乔能够和明尼蒂共享红衣主教玛德玛宫里的一个房间。
卡拉瓦乔为德尔·蒙特及其富有的喜好艺术品的圈子创作了许多私人的室内作品——《音乐家们》、《鲁特琴师》、微醺的《酒神巴克斯》、具有象征性而又是现实主义作品的《被蜥蜴咬的男孩》——由明尼蒂及更多的男孩们充当模特。这些诗意、内向、神秘的同性恋作品与之前几年开始的心理现实主义很接近。
随着卡拉瓦乔的首幅宗教题材画作的完成，现实主义重新回归，非凡的灵性也出现了。这就是《悔罪的抹大拉的马利亚》，画的是这样一个时刻——抹大拉的马利亚不再是一个高级妓女，她坐在地上哭泣，珠宝散落在周围。“完全不像一幅宗教画……一个姑娘坐在矮木凳上晾干她的头发……哪里有悔悟……苦痛……赎罪的保证呢？”这是伦巴第风格中的朴素，而不是当时罗马风格中的戏剧性。在另外几部作品中卡拉瓦乔延续了这种风格，它们是《圣凯瑟琳、马大和抹大拉的马利亚》、《砍下荷罗孚尼头颅的犹滴》、《用以撒祭献》、《极乐境界的亚西西圣方济各》和《逃往埃及途中歇息》。这些作品在一个有限的圈子里展览，增加了卡拉瓦乔在鉴赏家和同行那里的声望。但是，真正的声望还有赖于公共领域，因此把目光转向教堂是必要的。
“罗马最有名的画家”（1600年-1606年）
1599年，大概通过德尔·蒙特的影响，卡拉瓦乔取得装饰圣路易吉·迪·弗朗西斯教堂的肯塔瑞里礼拜堂的合同。这一委托包括两件作品，《圣马太殉难》和《圣马太蒙召》，1600年完成后立刻引起轰动。卡拉瓦乔增强的明暗对照法使得主题极富戏剧性，同时精确观察带来的写实把情感的强度提高到了一个新的水平。现在人们把这种明暗对着法的增强形式称作暗色调主义，其兴起归功于卡拉瓦乔。卡拉瓦乔同时代的画家对此持截然不同的两种观点。一些人公开指责他有各种的感觉缺陷，特别是他不讲作画章法，坚持写生。但绝大多数人把他当作艺术的救主来欢迎。“那时，罗马的画家被这种新颖的画风所吸引，特别是年轻画家都聚集在卡拉瓦乔身边，称赞他是绝无仅有的自然模仿者，把他的作品视作奇迹。”
卡拉瓦乔又创作了一系列宗教作品，作品以暴力的斗争、奇异的斩首、拷打和死亡为特征。通常，每一幅新作都提高了他的声望，但也有几幅被订货的团体所拒绝，必须重画或者另寻买主。问题的症结在于，当卡拉瓦乔的强烈戏剧性被欣赏的同时，他的现实主义风格却被一些人视作无法接受的粗俗。《圣马太和天使》的第一版把圣徒画成一个秃头农民，腿脏兮兮的，一个身穿薄衣太过亲昵的天使男孩在照顾他。这幅画被拒收，卡拉瓦乔不得不重画一幅《圣马太的灵感》。同样，《圣保罗的皈依》也被拒收，同一题材的另一个《圣保罗的皈依》被接受了，这幅画中马背较圣徒本人更加突出，这激怒了圣玛利亚德尔波波洛教堂的一位官员：“为什么你把马画在正中间，圣保罗却在地上？”“自有我的道理！”“那匹马是上帝吗？”“不是，但它站在上帝的光芒下！”
其他作品包括非常动人的《基督下葬》、《罗雷托的圣母》、《圣母、圣婴和圣安妮》以及《圣母之死》。《圣母之死》的故事可以作为例证来说明卡拉瓦乔生活的时代是如何对待他的部分作品的。1601年，一个富有的法官委托卡拉瓦乔给他私人的礼拜堂作画，这个礼拜堂位于在新的加尔默罗会修道会教堂——圣玛利亚德拉斯卡拉教堂，1606年加尔默罗会修道会拒收这幅作品。和卡拉瓦乔同时代的朱利奥·曼奇尼记载说被拒收是因为卡拉瓦乔用了一个当红的妓女作为画圣母的模特；另一位同时代的人，乔瓦尼·巴廖内告诉我们是因为圣母光着双腿：两种情况都不得体。但研究卡拉瓦乔的学者约翰·加什认为，加尔默罗会修道会可能认为问题更多的出在神学上而不是美学上，卡拉瓦乔的那个版本没有坚持圣母升天的教义——上帝之母不是通常意义上的死亡而是被接进了天国。替换的作品（来自卡拉瓦乔最有才能的追随者，卡洛·萨拉切尼）画的是圣母没有死，而是坐着行将去世，但即使这样还是被拒收。最终替换的画作中，圣母没有死，而是和合唱的天使们一起飞升天国。无论如何，拒收并不意味着卡拉瓦乔和他的追随者失宠。《圣母之死》被拿出后教堂，就立即在鲁本斯的建议下被曼图亚公爵买走了，后来被英王查理一世得到，1671年被法国皇室收藏。
这一时期的一幅非宗教作品是《胜利的爱神》，画于1602年，买主是德尔·蒙泰圈子里的温琴佐·朱斯蒂尼亚尼。17世纪早期的一本回忆录里把里面的模特称作“切科（Cecco）”，是弗兰西斯科（Francesco）的爱称。模特可能是弗兰西斯科·伯内利，在1610年到1625年期间被看作一个艺术积极分子，人称“卡拉瓦乔的切科”（Cecco del Caravaggio）。模特拿着弓箭，踩踏着象征着战争的科学物品以及象征着和平的艺术物品。他赤裸着身体，人们很难接受这个咧嘴笑的顽童就是罗马的丘比特神——就像人们很难接受卡拉瓦乔在画布上的天使一样，这些半裸的少年背着像舞台道具一样的翅膀。关键点在于作品强烈而又暧昧的现实性：丘比特同时又是切科，而卡拉瓦乔笔下的圣母是基督之母同时也是做模特的罗马高级妓女。
流亡和死亡（1606年-1610年）
卡拉瓦乔过着狂乱的生活。即使在一个纠纷是家常便饭的时代和地方，他还是因为屡屡争斗而声名狼藉，他的治安记录和审讯记录足足抄录好几页。1606年5月 29日，可能并非故意，他杀了一个名叫拉努乔·托马索尼的年轻人。此前，来自上层社会的赞助人摆平了他的一系列出轨行为，但这次他们无能无力了。卡拉瓦乔逃往那不勒斯,因为那不勒斯在罗马当局的司法管辖权之外。在科隆纳家族的保护下，这个罗马最有名的画家也变成了那不勒斯最富盛名的画家。他与科隆纳家族的关系带来了接二连三的教会重要委托，包括《圣母玫瑰经》和《仁慈七行》。
尽管在那不勒斯获得成功，卡拉瓦乔还是仅仅在几个月后就离开前往马耳他——马耳他骑士团的总部所在地，估计他希望得到骑士团首领阿罗夫·德·维格纳科特的庇护，使他杀死托马索尼的罪行得到赦免。德·维格纳科特非常喜欢这个著名的艺术家，让他当骑士团的官方画家，还吸纳他当骑士。早期的传记作家贝洛里记载说卡拉瓦乔对自己获得的成功很高兴。在马耳他时期，他的主要作品包括巨幅的《正被砍头的施洗圣约翰》（他惟一签名的作品）和《阿罗夫·德·维格纳科特及侍从的画像》以及其他骑士团首领的画像。尽管如此，1608年8月末他还是被捕入狱。很久以来，这次突然变故有多种猜测，但最近的研究显示，这是另一番争斗的结果，在这次争斗中，一所房子的门被毁掉，一个骑士受了重伤。到12月的时候，他被作为“一个可憎的堕落的团员”驱逐出了骑士团。
仅仅在西西里岛9个月后，卡拉瓦乔回到了那不勒斯。依照卡拉瓦乔最早的传记作家的说法，在西西里岛的时候卡拉瓦乔被仇敌追踪，因此他觉得还是在科隆纳家族的保护下最安全，除非获得教皇保罗五世的赦免他才能回到罗马。在那不勒斯，他画了《圣彼得的否认》，最后一幅《施洗约翰》以及他的最后一幅画《圣乌尔苏拉殉难》。他的风格在继续演进，《圣乌尔苏拉殉难》描绘了最具动感和戏剧性的一幕——匈奴王的箭射中了她的胸，与之前的绘画不同，这幅画没有摆固定姿势的模特。此种画法更加自由而令人印象深刻。如果卡拉瓦乔当时活了下来，会出一些新东西。
在那不勒斯，一群不明来历的人袭击了他。最初，罗马传闻“最著名的艺术家”卡拉瓦乔丧生，但后来又获悉他还活着，但面部受了重伤。他画了一幅《带着施洗约翰头颅的莎乐美》，画中的大盘子里正是卡拉瓦乔自己的头，画被送给德·维格纳科特乞求宽恕。可能同时他还画了《手提歌利亚头颅的大卫》，画中年轻的大卫以奇怪的悲伤神情注视巨人的带伤的头颅，这颗头颅依旧是卡拉瓦乔的头。这幅画他可能送给红衣主教的侄子希皮奥内·博尔盖塞，这个狂热的艺术爱好者掌握着赦免大权。
1610年夏天，卡拉瓦乔乘船朝北接受赦免状，赦免状似乎归功于他那些有权势的罗马朋友。此行他带了给红衣主教希皮奥内作礼物的最后三幅画。接下来发生的一切众说纷纭，莫衷一是。不加渲染的事实是，7月28日一份从罗马发到乌尔比诺的公爵宅邸的匿名私人新闻说卡拉瓦乔死了。3天以后另一份私人新闻说他死于热病。这些是最早的死亡简报，后来有更加详细的报道。但一直没有发现尸体。卡拉瓦乔的一个诗人朋友把7月18日当作他的忌日，最近有研究者声称发现了一个讣告，讣告显示卡拉瓦乔那一天在托斯卡尼区格罗塞图附近的埃尔科莱港死于热病。
法国印象主义对现代主义绘画的影响
印象主义是由现实主义引出来，又是从现实主义开始走出去的，形成了另一种流派。当现实主义绘画在十九世纪下半叶也就是七十年代日渐衰落的时候，印象主义就出现了。使得二十世纪起始影响了西方现代艺术各个流派。印象主义与现实主义的最大不同在于：现实主义是从画室走出来的，可它发现的是错综复杂的社会；而印象主义也是从画室走出来的，但它所发现的却是情感、色彩和变化万千大自然。印象主义画家是由大自然的科学原理来进行表现的各种色彩构成的，也就是说印象主义绘画的出现也不是仅仅因为一些画家个人主观兴趣追求，而是通过大自然科学上的成就提供了产生与发展的条件。比如太阳能所产生的光波与视觉的关系、光线与色调的关系等，都有了初步的成果，画家们初次知道了光学的物理性能与视觉中的色调、明度和饱和度都有密切的关系，而色调不过是视觉在适宜的光波刺激下产生出来的光谱。也就是说印象派的画家们借用了自然科学中的光学原理，把光作为绘画的主人，认为大自然中一切物体的色彩都是在光的照射下产生的，气候、环境、日夜朝暮都是在不同光的影响下产生的不同色彩。
印象派绘画的画家，他们作品的内容和思想性是很薄弱和狭窄的，往往是偶然的。他们还常常以习作代替创作，以感性代替理性。印象派画家在发展风景画方面是有贡献的。在描绘自然风景时，他们追求着光、色和大气的表现，从而使风景画发生了重大的变革，具有清新、明亮、丰富多彩的特点。还有就是印象派通过作品反映物和光所产生的印象。印象派还趋向于更快速以及更现代的绘画手法，风景不再只是作品中简单的背景点缀，而成为画作的主角。当然还不会仅限于这一点，它也是一种对描绘“愉悦”的现实的渴望，通过当时的娱乐活动、大自然的美景以及对光线和瞬间无尽的探究。
马奈的《奥林匹亚》，这幅画充分显示了马奈的独创性，虽然马奈并不具备德拉克罗瓦式别开生面的想象力，但他的独创性在于自由的观察方法：“创造形象”的原则和唯己是从的绘画风格。该画结构基于响亮的对比：明亮的前景与暗绿、暗棕背景的对比，裸体的奥林匹亚与着衣的黑妇人的对比。这种无透视感，无阴影层次，以至少了“体积和空间深度”。然而，它却令人不能它对无动于衷，它的色调对比和形象将强烈的作用于观者的想象力。它不是自然的模本，也不是美的典型，它是属于马奈个人的。是马奈独创的。尽管我们不能把形式主义的这笔帐完全算在印象派的身上，但是使艺术的内容与形式的脱离，则与印象派特别是与后印象派的影响有着直接的关系。还有的画家有雷诺亚等等。
雷诺亚为法国印象派画家。他的作品题材描绘巴黎生活的喧哗景象和气息，画作色彩鲜丽、节奏明快，画面洋溢幸福感与美感，因此有“快乐画家”之称。他认为绘画不是智性思考的活动，直觉与技巧是绘画的精神本质。然而，他的作品就有《煎饼磨坊的舞会》和《雨伞》的佳作。
新印象派的产生与科学中的有关光色原理的新成果分不开的。而色彩现象不仅在于光与光谱本身，还在于感觉上的分割、互补与综合，这也就是生理反应。他们依据十九世纪初新出现不久的光色科学原理，将物体本身包含的丰富色调先分割开来，然后用光谱中的三原色互补原则，再一笔一笔将色彩点到画面中，所以人们称新印象派为“点彩派”或“分割派”，又称为“科学的印象派”。新印象派画家对印象派不满，认为印象派在用色上还不够科学。于是他们提出新的主张：首先是废除在调色板上的调色，主张把原色一点点地用科学的规则排列在画面上，让人眼的水晶体去混合色彩，从而产生对色彩的感觉，这就是毕沙罗所说的“以光学的调色代表颜料的调色”，再者是主张画面具有永恒和稳定的特点，不是瞬间的。所以，也就可以把这种印象派叫做科学印象派。在新印象派的主要代表是修拉等。
修拉是位创新精神的画家，并且将光与色的表现，他与师辈印象派的技法有很大差异，所有的色彩都不随意点上去的，而是经过分析分割、互相搭配，以及科学的方法平匀交*点到画面中，就如他画的《大碗岛的星期日》就是以这种技法创作的作品是描写一个阳光普照的星期日下午，人们在公园游玩的情景。修拉在这幅作品中已全面使用“点描法”和印象派的画的笔触有很大分别。让人要从近处看可见到全画均以原色的细点组成，没有线条和色块。可是在远处看又可见到完整的形象，而且由彩色的细点组合成一片新鲜悦目的色彩，比一般在调色盘上混合的颜色更鲜明强烈。此作品整体给人一种亮丽、新鲜和愉快的感觉，而画中如真似假的景物又给人一种虚幻的感觉。这是一幅成功的新印象派代表画作。还有一幅是《马戏团》同样以彩点技法创作的佳作。
后印象派是由于对印象派的不满而产生的。他们认为印象派过分重视客观世界的描绘，只是停留在表面的现象上，所以主张艺术应该区别于照相，要揭示主观世界，重要的不在于写形而在于写意。他们的这种写意的手法是和日本版画及东方艺术的影响分不开的。而后印象派重视的是自我表现，强调变形和夸张，为后来的野兽派、表现派和立体派的发展提供了一些经验。正因为这样，人们才把塞尚看作是“现代绘画之父”。应该在形式上后印象派要比印象派走得更远，使艺术脱离现实生活。后印象派的主要代表画家是塞尚、高更、梵高。以下就是分别介绍他们的不同画风风格以及代表之作：
塞尚是法国著名的印象主义画派的画家，又被称为“后期印象派的三大巨匠之一”，其艺术原则成为现代“立体派”和“表现主义”绘画的先导，因而有“现代绘画之父”的称号。他爱画静物和风景，尤以静物最有名，他的构图设计注重形式，通过强调平面性深入的层次实现各部分的相互联系，从而统一构图以外，他还夸张各个棱角、各种曲线以及自然中形式给人的各种错觉。因为当各种形体相互*近时，看起来常常是歪曲变形的。这种变形方法是一种富有表现力的手段，它能传达对事物的感情。然而他那丰富的想象、大胆的独创、热烈的激情，说明他已脱离传统的学院派绘画，也有别于当时流行的印象主义，而预示着一种新艺术的出现。印象主义是追求真实地再现自然，追求瞬间印象和光与色。塞尚虽然也重视色彩，但不大注重光，他追求的是实在的形体和永恒的视觉，他认为自然万物都与球体、圆锥体、圆柱体相似。他对景与物的这种独特体积感的理解与表现，成为后来毕加索立体派的先导理论，他的独特的主观与造型色彩等的见解，也大大区别于强调客观色彩感觉的印象派画家们。后来他成为立体主义的先驱和各种理性化抽象艺术的开拓者。不过塞尚的绘画仍然保留了古典的形式观念，因此严格地说，他只是一把打开现代艺术的钥匙。他也画人物画，他的画不太重视思想感情和个性特征的刻画，与他的静物画有许多类似之处，但其中也有非常洗练、生动传达个性特征的作品。表现自己的主观想象则成为了艺术创作的基本依据。后来许多现代流派都受他的启发。例如：《玩纸牌的人》的作品是着眼于色调和体积的关系和以光色构图为基础的统一风格，他借助冷暖色交替推移的方式构成对象。他还留下的不朽的作品有：《穿红马甲的孩子》、《红椅上的塞尚夫人》、《静物》等。
高更是法国后期印象派的三大巨匠之一。他起步较晚，早期的画追求形式的简化和色彩的装饰效果，但还没有摆脱印象派的手法。后来多次到法国布列塔尼的古老村庄进行创作，对当地的风土人情、民间版画及东方绘画的风格感到兴趣，逐渐放弃原来的写实画法。他厌恶资本主义的文明社会，包括传统的艺术趣味。他不但对埃及古代绘画很感兴趣，而且向往仍处于原始部落生活的土人们的风习和艺术。被称为“原始人产最高典型”。他的作品具有浓厚的主观色彩和装饰效果。他的画描绘了别人没有发现的美——质朴的原始美。他以及的热情非常真诚地描绘了土著民族及其生活。高更的艺术对现代绘画影响极大，他被称为“象征派的创始人”。高更的绘画风格也与众不同，他用不加调和而并置的色彩来表现海岛居民的生活，不强调明暗变化与立体效果，以浓厚色调平涂和装饰性构图创造一种原始性氛围画面，给人以潜在生命的蠕动感，一种永恒性、象征性，并带有神秘色彩的气息。在他晚年时，创造了著名的大型油画如：《我们从哪里来？我们是什么？我们往哪里去？》，表达了他一生的坎坷迷茫和苦闷的心境。他喜欢自由自在而又热情地去画画，使他创造了许多表现土著人风俗的杰作：《海边两少女》、《玛丽亚礼赞》、《土著女人》、《大溪地妇女和鲜艳的芒果》、《手捧水果的女人》、《不列塔尼农妇》、《游魂》、《高更的夫人》等。
梵高是后期印象派的三大巨匠之一。他学画起步较晚，他是荷兰人，并且到过巴黎，当时有一股印象主义绘画运动，使他大开眼界，竭力想冲破印象主义的局限性开始探索自己的艺术道路。由于他关心人，要求自己的艺术有益于人，所以不管他运用怎样“任意的色彩”或夸张的造型，他总是注意对象内在的生命，注意人物的性格及其思想。所以他画的穷苦的劳动人民，但是寻找他思想的模特也是不容易的。即使后来被病魔缠身，梵高仍然大量作画，不断地从自然那里吸取素材，把对生活的热情转化为画面中的色彩，用他那常人所没有的火焰般发疯的感情来描绘翻滚的麦浪、旋转的太阳、醒目的林道、可怕的乌云、即使的风景，把他心中的那个永恒燃烧着的自然，用他燃烧着的感情和画笔勾画出一副副奇异非凡的色彩交响画。他的艺术很像中国画中的泼墨上水，他也的确从日本画与中国画那里吸取了许多养分，形似与否是次要的，燃烧的感情表现所产生的艺术魅力是打动每位观画者的关键所在吧。难得的可贵是他对绘画的热爱超过了他的生命。在他的作品中既有故乡荷兰的风格，亦有法国画坛已流行起来的印象主义的影迹。他留下的流传百世的不朽作品：《向日葵》。其它作品如：《吃土豆的人们》、《夜间咖啡店》、《自画像》、《星月夜》等。
现代主义的起源，在“后印象主义”中被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出者有塞尚、凡高、高更和劳特累克等。实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美学纲领和宣言，而且画家们的艺术风格也是千差万别。之所以称之为“后印象主义”，主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。然而，后印象主义者不喜欢印象主义画家在描绘大自然转瞬即逝的光色变幻效果时，所采取的过于客观的科学态度。他们主张，艺术形象要有别于客观物象，同时饱含着艺术家的主观感受。塞尚认为：“画画——并不意味着盲目地去复制现实；它意味着寻求诸种关系的和谐。”他所关注的，是在画中通过明晰的形，来组建严整有序的结构。凡高和高更则专注于精神性与情感的表现，其作品渗透着某种内在的表现力和引人深思的象征内涵。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，启迪了两大现代主义艺术潮流，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。所以，在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。
20世纪以来出现的许多与传统美术流派不同的美术流派统称为现代主义美术。它出现的原因是：20世纪以来，爆发了两次世界大战，给人们的心灵造成了巨大创伤；工业化带来的快节奏生活也加剧了人们的紧张感，使人们不再满足于传统的艺术表现形式；科学技术的发展拓展了艺术家认识世界的视野，他们开始用新的表现形式和艺术精神进行创作；艺术家们敏感地关注到工业和科技的发展给人类带来各种便利的同时也由此造成了一些新问题；同时他们深受20世纪以来各种社会思潮的影响；他们更多的吸收了东方和非洲的艺术风格。在他们的作品中，可以感觉到时代的快节奏；感觉到现代人的精神创伤和心理困惑；感觉到强烈的个人主义和虚无主义；同时他们又具有用现代美学成果和现代科技成就进行创作的探索精神。也就出现了象征主义、野兽派、表现主义和立体主义等。
象征主义是强调不以客观现实和观察为准，而以更富主观性的推理或情感想象为表现内容。象征主义艺术家本能地直觉到，深刻的真理不可能得到直接表现，而只能通过特定的象征、神话或情感氛围间接地表现出来。象征主义绘画努力追求不加说明的直接情感效果，认为情感与观念一致，线条与色彩一致。"形式之和谐与理念之合理的一致，决定了装饰之美与精神之美的一致"，而色彩则能达到思想的中心，综合的线条和色彩能够表现思想。在象征主义中，高更的绘画方法倾向于象征主义，因此也就影响了一些画家。被认为是象征主义主要代表的画家有：莫罗和雷东等。
莫罗是象征主义绘画的中心人物，他大胆地使用象征符号，而且不怕触及最怪诞的题材。他以描写神话和宗教题材的充满情欲的绘画著称，笔下的女性形象大多妖艳而邪恶，画中充满了异性的冲突、生与死的谜语、善与恶的寓意。莫罗作的《施洗约翰的头在显灵》，这幅画中披着薄纱和珠光宝气的莎乐美,手指着施洗约翰被斩下的头，鲜血淋漓。圣光四射的人头与莎乐美冷艳的人体互为映衬，创造出一种奇异的气氛：莎乐美的面容被描绘得庄严而严峻；*荡的舞蹈，必然会唤醒年迈的希律王麻木的感觉，她那眼神集中、双目像一个梦游者那样瞪视，但她既不看颤抖着的小君主及她的母亲--那个残忍的希腊罗蒂，她此时正冷酷的凝视着莎乐美，而莎乐美则行若无事。画家把官能的美感和灵魂的恐怖感不可思议地结合在一起。画面的描绘极为细致，莎乐美身上的饰物和薄纱被画得极富质感，环境既真实又充满阴森可怖的神秘气氛。
雷东法国杰出的象征主义画家。从1870年直到他50岁的时候，他一直只用黑白两种颜色作画，他的木炭素描和平板画发展了一种非常独特的风格，画面带有强烈的梦幻色彩，人体或者人体的某一部分被和植物，动物或者诸如此类的东西揉合在一起。他的作品《独眼巨人》属于艺术创作第二时间，这幅画表现了希腊神话中有一位独眼巨人库克罗普斯，画面上这个独眼巨人正从地下爬出来，他用一只眼睛觊觎着深埋在地层里的一个裸体女性。这个裸体女性是欢乐的象征，但她似乎还在沉睡，巨人的野蛮凶猛的心灵中也依然存在着欲望和欢乐的要求。雷东用这个巨人的形象来象征生命的原始欲望的巨大力量。然而，与象征主义相比，表现主义对主观性的强调更其极端。同时也与凡高艺术最为接近的"主义"就是表现主义。
表现主义是把直觉看作是认识世界唯一的方法；在绘画方面，题材选用孤独的人生、内心的悲愤、极度的痛苦，艺术表现使用刺激的颜色、动荡的线条、粗野的轮廓、夸张的变形，表现一种阴暗、低沉、恐怖和神秘的气息。代表人物有蒙克、康定斯基等。
蒙克是一位伟大的挪威画家，现代表现主义绘画的先驱。他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。他最重要的作品《呐喊》，画面表现的是一个形似成形婴儿的小人张着口从桥上跑来,远景是海湾和落日景象，天空像滚动着的血红色波浪,令人感到震颤和恐怖,仿佛整个自然都在流血。蒙克后来在谈及此画时说:“我和两个朋友一起走着,夕阳西沉,天空变得像血一样红,我忽然无精打采,极度疲倦地止住脚步,黝黑色的海峡和道路显示着血与火一样的光舌。朋友走着,我却一个人停在那里因不安而颤抖着,我感到了自然强烈的呐喊。”他还有的作品：《病孩》、《母亲之死》和《在灵床旁》等。
康定斯基早期绘画，历经印象主义和新艺术运动装饰等各个阶段，但都以对色彩的感受为特征，许多是以叙事的童话性为特点的。这些童话，是他早年所感兴趣的俄罗斯民间故事和神话的怀旧。继印象主义之后的是搞新印象主义的图案和色彩，而后又在更加自由奔放的野兽主义里涉猎了一番。在《构图，2号》里，骑手和其它人物，已经变成色点或线条图案了。画面的空间，排列着颤动的、急速运动状的色块，故事也就淹没在这抽象的图案之中。此时，已经在吸取野兽派色彩组织含意的康定斯基，开始用从音乐那里得来的加标题的方法来表达意图，象“构图”、“即兴”、“抒情”等等。大约在1910年，他画了一幅粗野、激荡，色彩和线条形状相互穿插的水彩。从这幅画开始，所有的描绘性和联想性的要素似乎都不见了，大概这是抽象表现主义形式的第一个例子。这幅画是不是康定斯基画的第一幅全抽象绘画，看来这个问题似乎永远不会有答案了。但是，毫无疑问，是他给了这一类型的绘画以原动力。他运用了与音乐相类似的性质，发现了抽象表现主义的课题，这个课题就是：艺术家的意图，要通过线条和色彩、空间和运动，不要参照可见自然的任何东西，来表明一种精神上的反应或决断。在第一次涉足于抽象之后，就再继续坚持这个方向，但在1912年的作品《带黑色的弓形，154号》中，特定的主题和视觉的联想都消逝了。这幅画中所显示的猛烈冲突的动势和紧张，是色彩和形状的互相冲突和紧张，犹如某种星际大战似线条的冲突和紧张。从这一点出发，艺术家继续创作了一系列的抽象表现主义绘画杰作。在这里再介绍一下1914年他的大型季节系列画《秋》和《冬》。《秋》的色彩更为浓重得当。《冬》在小碎色块的加速运动和旋转、交错、飞溅式的线条方面更为活泼、生动。艺术家通过表现手法，甚至是抽象手法的描绘力量，提示了季节的某些特征。
到1920年，康定斯基还是继续以自由抽象的手法作画，这是他大约在1910年首创的。他在莫斯科追溯往日的岁月，他开始在一些绘画里搞规则形状、直线或几何曲线。1921年，还是接着搞几何图案，并进入了他生平的另一个主要阶段。康定斯基受过马列维奇、罗德琴柯的几何抽象和构成主义的影响，这可以说是毫无疑问的。尽管从自由形式变成了以规则、僵硬的线条勾边的彩色形状，但康定斯基的绘画依然保持着剧烈的节奏感，保持抽象形式的继续不断的冲突活动。《白线，232号》，是一件过渡性的作品，主要的色块，是以一种松散的和气氛性的手法来处理的。但这些色块被一种很强烈的直线条图案和规则的曲边色块所强调，使作品有一种受几何形控制的轻快感。圆是一个中心母题，从1920年代中期以来他就乐于此道。大概这是可以用来表现宇宙空间和星系的相互作用的主题，而且具有历久不衰的魅力吧。个人的抽象幻想，是他后来那些年的主要出发点。有时他把小而自由的形状，任意散布在统一的色彩背景上；但又一些时候，便回到一种尽可能少的要素安排，好象是在净化他的手法。康定斯基最后的一批绘画表明，现代艺术中一批最杰出、最有影响的人才。
野兽派不论在笔触、造型还是色彩运用上都越出了当时的画风常规，奔放狂野，被一位批评家诙谐的称作野兽群，野兽派由此得名。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。他们的领袖人物是马蒂斯，他学习东方绘画、非洲雕刻和工艺品的表现手法，主张用大色块和粗犷的线条构成变形夸张的形象，追求单纯化的装饰效果。
马蒂斯他的早期绘画曾受到塞尚、高更等人的影响。在经过了几种风格的尝试之后，他于1905年前后最终确立了自己的绘画风格。他通过主观的色彩而不是光和影来描绘物象。他说：“我把色彩用作感情的表达，而不是对自然进行抄袭。我使用最单纯的色彩。”他作画，偏爱用平涂的画法。他把绘画视为平面的装饰，而有意减弱画面的深度感和物象的体积感。同时，他根据感情的需要，将高纯度的平面色块在画中组合，使其形成冲突对比或平衡和谐的关系，产生音乐般的节奏。他的画，造型极其简炼，线条弯曲起伏，笔法轻松流畅，散发着儿童般的天真稚趣，萌发着生命的朝气。他的画，往往传达着某种欢快的情感，给人以视觉的享受。
他的这幅画《带绿色条纹的马蒂斯夫人像》充分反映了野兽主义画风的特点。虽然此画的色彩极其浓重和强烈，但整个画面却显得十分沉静。这里的色彩完全是主观感受的产物，而绝非客观的如实模仿。在这幅画中，马蒂斯在人物面部的正中央画了一道绿色粗线；这条线成了全画的核心。不仅整个脸部的造型结构紧紧依附着这道绿线，而且，画中诸多要素都是*这道线而得到统一和平衡。还有的作品有《生活的欢乐》、《红色中的和谐》等。
立体主义运动则通常可分为两个阶段。一个阶段是所谓分析立体主义。画家们继承塞尚对绘画结构进行理性分析的传统，试图通过对空间与物象的分解与重构，组建一种绘画性的空间及形体结构。进入第二阶段就是综合立体主义。此时在画中色彩起了有力的作用，但形体仍然支离破碎，只是更大和更富于装饰性。画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言，进一步加强了画面的肌理变化，并向人们提出了自然与绘画何者是现实，何者是幻觉的问题。立体派画家受到塞尚“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”的思想启示。在画中色彩起了有力的作用，但形体仍然支离破碎，只是更大和更富于装饰性。画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言，进一步加强了画面的肌理变化，并向人们提出了自然与绘画何者是现实，何者是幻觉的问题。立体主义虽然是绘画上的风格，但对20世纪的雕塑和建筑也产生了深远的影响。立体派的代表人物还有毕加索、布拉克等。
立体主义重要创始人是毕加索，宣称要打破传统的时空概念，表现形体内在的看不到的结构；他在平面绘画中，把自然形体分解为几何切面，然后将他们相互重叠，极力夸张变形，任意组合或同时展现无数个面；客观世界在立体派的作品中是分裂的、肢解的、零散的，全然不顾对象的具体形态，因而，观众难以理解作品的具体内容。
毕加索在他内心世界处于苦闷和忧郁的时期，曾先后用蓝色和粉红色色调描绘贫困的残疾人、病患者、老人、孤独者、演员、江湖艺人、丑角等，被称为“蓝色时期”和“粉红色时期”还有“黑色时期。在“蓝色时期”的作品：《熨烫衣服的女人》、《两姐妹》等；在“粉色时期”的作品有：《扇子女人》、《马上的姑娘》等；在“黑人时期”的作品有：《土耳其装束的夫人》、《斯坦因画像》等。毕加索在其"粉色时期"中显得温和,甚至可说是温柔起来了。裸体,流动演出的喜剧演员,丑角,马戏场面使他有机会把手法变得轻快,把线条变得灵活,把变形加以强调。他的作品使人想到日本幽灵画家。其特点是一种娇柔的感情,含糊不定的笔触,杂乱的魅力以及并非肯定地放上去的,在颜色上精打细算,却几乎没有体积感的形。他还尝试把塞尚已经开始的对几何形结构美的追求推向极致，创作了颇有争议的、被认为是立体主义开端的《亚维农的少女》。
毕加索的《亚维农的少女》一画上，正面的脸上却画着侧面的鼻子，而侧面的脸上倒画着正面的眼睛。一般说来，《亚维农的少女》是第一件立体主义的作品，在此之后一两年，他的立体主义方法更趋成熟。《格尔尼卡》、《卡恩弗勒像》被认为是他分析立体主义的代表作。毕加索就是从事综合立体主义的创作的画家。
布拉克现代绘画大师，立体主义绘画创始人之一。立体主义抛弃了过去的一切视觉,恢复了绘画的自主,使画成为一种建筑,使对象成为某种比现实还要真实之物。在这一行动中,布拉克起了主要作用。他比所有其他的立体派画家更多地带来不可缩减的具体和一针见血的分析,带来少有的和谐色彩和他的任何同伴都无能为力的典雅流畅的线条。他的作品有《运鱼船》、《乐器》等。他就是分析立体主义的画家。
由此可见，法国印象派对现代主义绘画的影响是巨大所在。
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